estilo jonico

Este templo del que vamos a habla, es el templo de atenea níkel y su estilo es jónico.
Este templo, fue construido en el la acrópolis de Atenas en el año 449 a.C. Pero ocurrió que percles, también quiso colaborar en la construcción 421 AC.

El proyecto de este templo, se le encargo a calicrates, este era un arquitecto que colaboró en la construcción del Partenón.
El templo ha sido restaurado, aunque ha perdido parte de su frontón, entablamento…
El templo, tiene una altura sobre la plataforma mide 8 metros. Sobre esta plataforma, se encuentran las columnas jonicas de mármol, compuestas por basas y su capitel con bolutas.
Principales características del estilo jónico:
Su basa son mas esbeltas (finas y alargadas).El capitel dórico esta mas decorado.

Su entablamento, tiene un arquitrabe de tres bandas, un friso corrido que tuvo su decoración mitológica de las guerras medicas y una cornisa, en la que sobre ella estaban los frontones dedicados a ateneas.

Una de las cosas importantes, es el friso del templo en el que representa a Zeus, ateneas y poseidon, ayudando a los atenienses para valorar la ciudad de la la Guerra del Peloponeso.
El parapeto del bastión sobre el que se alza el edificio esta decorado con relieves (Atena atándose la sandalia) intenta expresar la victoria que nunca llegó a hacerse. Este parmento, muestra sus principales características, como los paños mojados (ya esculpidos al trépano) o figuras divinas (como la propia Atenea).

estilo corintio

Este templo es el templo de Zeus olimpico, también conocido como olimpeion, situado en Atenas.
Este templo se empezó a construir en el siglo5. A.C.
El templo fue construido en mármol del monte (parlemico).

Algunas de las características de este tipo de templo es que por ejemplo sus basas son finas y esbeltas. Su capitel esta formado por hojas (hojas en le borde de las puntas)

Sus medidas, era 96 metros de largo y 40 metros de largo en sus caras orientales y occidentales.
Tenia 104 columnas corintias, cada de ella de 17 metros de alto, y 48 estaban colocadas en filas triples bajo sus frontones y 56 en filas dobles en los lados. Aunque 15 de estas columnas quedan en pie hoy.

En el año 86 a.C. cuando las ciudades estuvieron con el poder romano, el general silla llevo dos columnas del templo de roma, que influyeron en el estilo corintio.
En las épocas helenísticas y romana, era el templo mas grande de Grecia.
Este templo esta situado a 500 metros de la acrópolis de Atenas y a uno 700 de la plaza de Atenas.
En el siglo II el templo lo coge Adriano quien lo llevo hasta el año 129 aunque dicen que fue en le 131.
Adriano dedico el templo de Zeus, el mismo, levanto una estatua gigantesca de oro y marfil en la cella dedicada a Zeus, aunque en la actualidad no tenemos nada de esa estatua.
No se sabe bien cuando este templo fue destruido, aunque probablemente según las informaciones fue destruido, en la edad media por un terremoto y algunos materiales de los que quedaron se utilizaron para la construcción.

Sus cimientos, fueron colocados, por el triano pisistrato en el 515 AC. El trabajo, fue abandonado cuando su hijo (hipias) fue derrotado en le 510 a.C.
Durante la etapa de la democracia el templo fue dejado de construir.
El trabajo continuo en el siglo III por las macedonias.
El rey helenístico Antíoco IV Epífanes, contrató al arquitecto romano Cossutius para que este diseñara el templo más grande del mundo. Ocurrió otra vez un problema, y fue que Antioco murió en el 164 a.C., por lo que el trabajo estuvo parado.

templo dorico

Este templo del que vamos hablar es de estilo dórico.
Fue construido en el 447-432 a.C., los arquitectos encargados en construirlos fueron actino y caricrates . Estuvieron bajo las órdenes del arquitecto fildia, que fue un autor de la decoración de la estatua atenea.
El Partenón en lo siglos siguientes, fue convertido en una iglesia bizantina, iglesia latina y una mezquita.
En el año 1687, los turcos lo utilizaron como depósito de pólvora. Una de las bombas cayó en el Partenón y causó una enorme explosión que destruyó gran parte de la edificación.

Las características que tiene este tipo de templo, son sus columnas estriadas, sus columnas lisa (venían de los romanos) y su capitel tiene dos piezas de ábaco era de forma circular.
Tanto su friso como su arquitrabe eran liso, están decorado con franjas verticales, también una de las características importantes es que tiene más decoración que el templo jónico y corintio.


Dentro de la cella del lado este, la columnata se dispuso en forma de "U" y estaba compuesta, por nueve columnas con un entrepaño entre cada una de ellas.
Tres columnas con dos entrepaños, formaban el lado corto y al fondo la columnata de cuatro columnas,
Existía el basamento de la estatua, para el culto a Atenea con un gran estanque poco profundo, que causaba un efecto de brillo mediante el agua. Ambas cellas eran cerradas por puertas de bronce.
Esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber en geometría, por parte de los matemáticos y arquitectos griegos ( períptero octóstilo), lo que quiere decir que tiene columnas en todo su perímetro, ocho en las sus fachadas más cortas y 17 en sus fachadas laterales

La estatua de oro y marfil de Atenea, tiene doce metros de altura.
El templo tiene tres naves, separada por una doble columna, la nave central medía diez metros de anchura

disco de musica

diseño costa del sol

ejercisio 1 de diseño

El profeta de pablo gargallo

Título: el profeta
Autor: Pablo Gargallo
Fecha: 1933
Localización: Museo de arte reina Sofía Madrid
Datos técnicos:

Lectura formal: Esta obra que vamos a comentar, es una escultura figurativa y no abstracta por que da la sensación de que esta gritando y tiene la mano derecha levanta y la izquierda está sujetando el bastón.
El autor es esta obra parece, que emplea el método sustractivo ya que ha ido quitando material hasta conseguir una forma adecuada para el.
Las líneas de fuerza, podría estar en la cara y en sus laterales. La profundidad no es una continuidad frontal, se consigue juego de piezas y de vacíos. La profundidad, no es una continua ya que se consigue juego de piezas.
En esta obra el autor ha utilizado hierro y posiblemente el autor lo ha tenido que fundir para darle esa forma tan perfecta.
Las forma de esta escultura, pueden ser curvas que se tuercen entre si por lo tanto no componen un bloque y presentan formas de agresividad de carácter violento…
Posiblemente, la formas puedan ser abstracta de la naturaleza o diseñadas por el autor
Un elemento bastante importante, sería que la escultura parece abstracta pero mirándola bien es figurativa como hemos dicho anteriormente
El uso del color de la obra pude ser que la luz resbala por la superficie del bloque y por tanto se introduce en le interior y crea zonas de claroscuro.


Lectura contextual

Pablo Emilio Gargallo Catalán nace el 5 de enero de 1881, se traslada con su familia a Barcelona en 1888. Donde empezó a ser artista y trabajo en el taller de Eusebi Arnau.
Durante esta época, se relacionó con artistas como Picasso o Isidro Nonell en un famoso bar llamado Els Quatre Gats.
Una gran parte de su vida, estuvo en el barrio de Montparnasse de París. En 1903 se relaciona con los artistas anteriores.
Trabajó con Lluís Domènech i Montaner en trabajos de esculturas para sus edificios y lugares como: Palau de la Música Catalana, el Hospital de Sant Pau de Barcelona, esculturas de de bronce y piedra. Al año siguiente Juan Gris le presentó a Magali Tartanson, una mujer con la que se casó en 1915.
En 1934 sufrió una neumonía y murió en Reus Tarragona donde allí se iba a inaugurar una exposición de una de sus obras.
A lo largo, de su vida tuvo dos estilos principales, fueron el estilo clásico, se basaba en los inicios del modernismo y noventicismo. Otro estilo que mantuvo también fue el vanguardismo, este estilo se trataba de usos de experimentar nuevos materiales.
Gargallo estaba influido por su amigo Julio González, en estos momentos desarrolló un estilo de escultura, esta se basaba en la creación de objetos tridimensionales (3 dimensiones), usando papel y cartón.
Algunas de estas esculturas, muestran el minimalismo. Esta técnica, es basada en representar la mitad de una cara y que sólo tenga un ojo. También realizó esculturas de bronce, mármol y otros materiales.
Esta obra de la que hemos hablado es una de las más importantes del autor ya que representa el cubismo, esto quiere decir esculturas de máscaras de hueco produciendo cesación por el tema del que trata.
Posiblemente pero no es completamente seguro si el autor tenia relación con piccaso este método lo introdujo piccaso en algunas de sus esculturas y podría venir de el

Conclusión: Me ha parecido muy interesante el estilo por que posiblemente quiso representar cosas de amigos famosos y lo representa bastante bien

10 esculturas

Título:Barberini
Autor:
Fecha:50-30 ac
localización:Palacio de los conservadores
Datos tecnicos:165 cm

Esta escultura, es figurativa por que se puede reconocer lo que hay representado.
El autor, emplea el método sustractivo por que ha ido quitando material para darle una buena forma. Utiliza la técnica talla para darle la forma que le ha dado.
Existe un movimiento sugerido, parece que están pensando y las líneas de fuerza estarían en la cara y en la mirada.



Título:Bicha de balazote
Autor:
Fecha:siglo 4 ac
Localización:Museo arqueológico de madrid
Datos técnicos:73x93 cm(pierdra)


Esta escultura, es figurativa por que se puede ver la mujer tumbada en la cama y es de tipo exenta, porque esta trabajada por todos sus lados.
El autor emplea el método sustractivo, ha ido quitando material para conseguir la forma que ha querido.
Utiliza la técnica talla, por que a extraído una gran parte del material para darle una buena forma.
En cuanto a las líneas, de fuerza están en este caso en la cara de la mujer y de la forma que esta mirando.
Existe un movimiento sugerido, por que la mujer esta mirando y pensando.
Esta escultura es simétrica, por ser el cuerpo humano como hemos dicho en las
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Título:Estatua sedente de kefrén
Autor:Diorita
Fecha:2558-2532 ac
Localización:Museo egipcio, El cairo
Datos técnicos:168 cm


Esta escultura es figurativa, según la investigación representa la apoteosis de Egipto por lo tanto representa el hombre sentado y es figurativa. También se puede ver la fotografia, que esta trabajada por todos sus lados, se puede decir que es de relieve alto por que sobresale mucho.
El autor, emplea el método sustractivo por que ha ido tallando asta lograra una buena forma.
La técnica talla, también la utiliza para darle forma a algo en este caso a toda la escultura sobre todo al sillón y el cuerpo.
Las líneas de fuerza, en este caso el autor lo representa en como esta pensando y como esta sentado. La escultura es simétrica, por que trata del cuerpo humano y el cuerpo humano por tanto es simétrico.

Título:Amenofis iv
Autor:
Fecha: 1365-1349
Localización:Muse egipto el cairo
Datos técnicos:

Esta escultura, es un relieve porque se puede ver de frente. Dentro de los tipos de relieves, sería de bajo relieve por que tiene poca profundidad.
Emplea el método sustractivo, ha ido quitando material.En esta escultura las líneas de fuerza, están en las caras de las mujeres por que están trasmitiendo un mensaje el círculo de la parte de arriba

Título:David
Autor:Miguel ángel
Fecha:1501-1504
Localización:Florencia
Datos técnicos:410cm

Esta es una escultura figurativa por que miguel ángel, ha representado muy bien todo el cuerpo humano.
La escultura está muy bien representada y muy bien trabajada por todos sus lados del cuerpo.
El autor ha empleado el método sustractivo por que ha ido quitando material hasta que a logrado conseguir una formo perfecta, ha modelado todo el cuerpo asta dejarlo perfectamente. También utiliza la talla, porque como hemos dicho ha conseguido una forma deseada.
En esta obra, la líneas de fuerza para mi están representada en la forma que esta mirando y en la posición que esta su cuerpo. Existe un movimiento sugerido como que esta pensando en lo que esta viendo. En esta figura se ve perfectamente que es simétrica por que en un lado hay lo mismo que en el otro.

Título:Niño jesús
Autor:Juan martinez montaéz
Fecha:1606-1607
Localización:Parroquia de sagrario(sevilla)
Datos técnicos:80 cm

Esta escultura representa Jesús desde pequeño. Esta escultura será una escultura figurativa por que se puede ver perfectamente el niño Jesús.
Esta escultura se podría decir que es de relieve, porque esta trabajada por la parte delantera también podría ser de bajo relieve, ya que parece ser que no sobre sale mucho.
En esta escultura es de relieve ya que el autor a quitado material, para darle forma al cuerpo y por lo tanto sería un método sustravtivo. Normalmente los autores que trabajan con la piedra quitan elementos para representarlo lo mas real posible
También utiliza técnica talla, consiste en extraer una parte para darle una forma deseada.
En esta escultura existe un movimiento sugerido, ya que la escultura de la que hablamos esta como pensando con los brazos abiertos.
Esta figura es simétrica por que lo que tiene en un lado lo tiene en le otro.

Título:El pensador
Autor:auguste rodden
Fecha:1880
Localización:1884-86
Datos técnicos:231 cm. altura

El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880. Auguste Rodin fue ayudado para hacer esta obra por su discípulo Miguel apodado el Asturiano.
En las esculturas existen varios tipos, pueden ser figurativas y abstractas.
En este caso sería figurativa por que representa a un hombre sentado y pensando, de hay viene el nombre el pensador.
Esta escultura sería una exenta porque esta trabajada por todos sus lados y también ha utilizado el método sustractitvo por que ha ido eliminando material para darle forma al cuerpo humano.
El autor en esta fotografía ha ido poco a poco. Quitando material a esta técnica se llama modelar se da con los materiales blandos como el barro en cambio el hierro habría que fundirlo para darle forma.
Las líneas de fuerza se dan en esta fotografía ya que el autor, transmite quietud y sería un movimiento sugerido por que parece que está quieta pero produce un movimiento.
Esta figura sería simétrica ya que, tanto como en una parte como en otra, hay lo mismo.

Título:Paulina bonaparte
Autor:Antono canova
Fecha:1804-1808
Localización:galería boghese (roma)
Datos técnicos:200cm

Esta escultura, es figurativa por que se puede ver la mujer tumbada en la cama y es de tipo exenta, porque esta trabajada por todos sus lados.
El autor emplea el método sustractivo, ha ido quitando material para conseguir la forma que ha querido.
Utiliza la técnica talla, por que a extraído una gran parte del material para darle una buena forma.
En cuanto a las líneas, de fuerza están en este caso en la cara de la mujer y de la forma que esta mirando.
Existe un movimiento sugerido, por que la mujer esta mirando y pensando.
Esta escultura es simétrica, por ser el cuerpo humano como hemos dicho en las
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Título:el beso
Autor:Constantin
Fecha:1907
Localización:
Datos técnicos:

En la siguiente fotografía vamos hablara, de la escultura del beso. Esta escultura sería figurativa, por que se puede ver perfectamente que hay dos persones abrazadas o dándose un beso.
La escultura exenta, está trabajada por todos sus lados. En esta que estamos comentando pasa lo mismo, por tanto, no es una escultura de relieve por que no esta trabajado por un lado si no por todos.
Esta escultura tiene el método substratito porque el autor ha quitado material, en este caso piedra, para darle una buena forma, sensación y se vea a simple vista.
En esta escultura, las líneas de fuerza serían en la cara, ya que las miradas tal como lo ha representado el autor produce la sensación de que se están besando y se quieren mucho. Esta escultura sería simétrica, por que lo que hay en un lado esta en el otro.
Utiliza el color de la piedra que has escogido, por que los colores se utilizan normalmente en la madera arcilla pero en la piedra no porque no agarra la pintura y se cae.

Título:Mujer ante el espejo
Autor:Julio gonzales
Fecha:1936-1937
Localización:Instituto de arte moderno (valencia)
Datos técnicos:203 cm

En esta escultura, hay que decir que es abstracta, aunque parece ser que hay representado una mujer aunque no tiene mucho sentido. En esta escultura, el autor también emplea el método sustractivo, porque ha quitado elementos en este caso madera para darle algún sentido.
También el autor, parece ser que utiliza el método contractivo por que ha ido uniendo piezas hasta conseguir que tenga equilibrio, y utiliza la técnica talla para conseguir una forma deseada.
En esta obra, hay un movimiento de tipo real por que la escultura se mueve a través de un mecanismo o móvil. Uno de lo primero en introducir esta técnica fue Alexander.
En esta escultura, no hay simetría, pero si asimetría por que esta al principio mas a un lado que al otro.
El color que utiliza, es el marrón en la madera queda muy bien representado.

esculturas de miguel angel

-Título: Sibila Délfica.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1509.
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).

-Título: El Juicio Final
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1537-1541
-Localización: Capilla Sixtina del Vaticano (Roma).
-Datos Técnicos: 1370 cm × 1220 cm

-Título: El joven esclavo.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1521-1564.
-Localización: Galleria Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 256 cm de altura.

-Título: San Petronio
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1494 -1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos

-Título: Esclavo rebelde
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.

-Título: Esclavo moribundo
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1513-1516
-Localización: Museo del Louvre
-Datos Técnicos: 267 cm de altura

-Título: La Virgen de la escalera
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: Fue creada hacia 1491.
-Localización: Museo Buonarroti de Florencia.-Datos Técnicos:medidas de 55,5 x 40cm.

-Título: Tumba de Lorenzo II de Médicis
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1520-1534
-Localización: Iglesia de San Lorenzo de Florencia.
-Datos Técnicos: 280 x 570

-Título: Esclavo despertándose.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 267 cm de altura.

-Título: Esclavo barbudo.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 263 cm de altura.

-Título: La Batalla de los centauros.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: iniciada1492.
-Localización: museo de la Casa Buonarroti de Florencia.
-Datos Técnicos: 84,5 x 90,5cm

-Título: El Cristo de la Minerva o Cristo redentor.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: Fue creada a finales de 1521.
-Localización: Se encuentra en la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva en Roma
-Datos Técnicos:

-Título: Esclavo atlante.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: Fue creada entre 1520-1564.
-Localización: Galleria dell'Accademia de Florencia,
-Datos Técnicos: 277 cm de altura.

-Título: El bacus.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: Fue creada entre 1496 y 1497
-Localización: Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
-Datos Técnicos: 203 cm de altura

-Título: La Basílica de San Pedro
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1521.
-Localización: Vaticano (Roma)
-Datos Técnicos: 193 m de longitud y 44,5 m de alto

-Título: San Próculo
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1494-1495.
-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.
-Datos Técnicos

-Título: La creación de Adán.
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1510
-Localización: Vaticano Roma
-Datos Técnicos: 280 cm × 570 cm

-Título: David
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1501-1504
-Localización: Florencia
-Datos Técnicos: 517 cm de altura.

-Título: La Piedad del Vaticano
-Autor: Miguel Ángel.
-Fecha: 1498-1499
-Localización: Basílica de San Pedro del Vaticano.
-Datos Técnicos: 174 x 195 cm.

El bacus de miguel angel

Título:El bacus
Autor:Miguel Ángel
Fecha:1496-1497
Localización: Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
Datos técnicos: 203 cm.

Lectura formal: Esta obra que vamos a comentar es una escultura. La escultura en este caso es figurativa, por que los elementos pertenecen ala realidad.
Respecto alas líneas de fuerza, están concentrada en la cara. Representa como da un mensaje. Se le llama movimiento sugerido porque esta quieto, pero da la cesación de que se mueve.
El material que utiliza miguel ángel es mármol, en esta obra se ve representado un hombre desnudo apoyado en una piedra.
En esta obra describe, los ojos, mirada. Sostiene una copa en su mano derecha, como el que está a punto de beber y la mira con atención, sintiendo el placer la bebida y representa una guirnalda de hojas de vid...En su mano izquierda sostiene un racimo de uvas, un pequeño niño alegre que está a sus pies. Muestra la sexualidad, como algo natural.
Las formas que utiliza son formas que le han ido saliendo al hacerlo y por lo tanto utiliza formas de la naturaleza.
Esta composición no es simétrica. Esto quiere decir que en un la do no hay lo mismo que en el otro por tanto es asimetría y hay desequilibrio por que el peso no esta justamente en medio en un lado hay mas.



El autor en esta obra utiliza un color oscuro en le fondo y en toda la escultura hay un solo color donde simboliza la vida sobre la muerte.
Existe un contraste y es que en el fondo produce tristeza por el color y en la escultura no.

Lectura contextual

Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana []. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti Simone y de Francesca di Neri. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia, muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano un pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.[]
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística.
Aprendizaje: Desde muy joven empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos hermanos Ghirlandaio, su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa.
Es la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura y donde se simboliza el espíritu del hedonismo clásico que Savonarola.
Al mismo tiempo que realizaba el Bacus, por encargo de Jacopo Galli esculpió un Cupido de pie, que pasó a pertenecer, más tarde, a la colección de los Médicis y que hoy en día está desaparecido.[]
Por medio de dicho coleccionista Galli, en 1497 recibió del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas, el encargo de una Piedad como monumento para su mausoleo en la capilla de Santa Petronila de la antigua basílica de San Pedro, y que más tarde fue instalada en la nueva construcción de Bramante.

Conclusión: Me ha parecido bastante interesante el bacus, por estar muy bien hecho y ser el primer viaje a roma

la noche estrellada

Título: La noche estrellada
Autor: Vicente Van gogh
Fecha: 1889
Localización: Nueva york EE: UU.





Lectura formal

Este cuadro es una pintura de óleo sobre lienzo, está echa en un formato rectangular de las siguientes medidas: 73,7cm x 92,1cm.
Desde primera vista se ve como una especie de pueblo, en la parte derecha parece ser que hay un conjunto de casas, en la parte izquierda hay como una especie de árbol podría ser un ciprés muy alto, que llega al cielo.
Las casas hay un conjunto de casas y están iluminadas por que en el cuadro el pintor lo ha pintado como si fuera de noche, en el los tejados de las casas, en la parte derecha lo ha pintado de forma abstracta, anteriormente hemos hablado de que es de noche y además las luces de las casas están encendidas.
En el fondo del cuadro están las montañas, y un poco por encima está nevada y del centro de las montañas hasta el cielo hay como una especie de remolino como si hiciera mucho viento o incluso, pude ser invierno.
En el cielo hay está representado todo removido por que parece que hay un remolino de viento, en la parte derecha del cielo aparece la luna y luego aparecen unos círculos redondos que representan el símbolo de la luz y de el calor.
En esta obra se distinguen formas orgánicas en la mayoría de las cosas (cielo), las formas orgánicas son las que proceden de la naturaleza y tienen poco sentido.
En esta obra uno de los elementos importante es como el autor muestra la naturaleza con mucha fuerza.
Vicente se encuentra en el maní comió de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana, especialmente porque se trataba de una luz diferente a la que se había empleado. Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en lo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura, es decir, un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano.
Los tonos que Van Gogh, que utiliza en sus obras son: Malva, morado y amarillo ya que representan el estado de ánimo del artista.

Lectura contextual:

Vicente van gogh nace en le 1853 y muere 1890.
Era hijo de un pastor, su familia no tenía mucho dinero. Sus primeros estudios lo realiza en la escuela rural, luego en 1863 ingresa interno en el colegio de Zerenbergen, que tuvo que abandonar debido a la mala situación económica de sus padres. A los dieciséis años trabaja como empleado en la Galería de Arte Goupil de La Haya, gracias a su tío, director de la misma. Cultiva su afición por la pintura y la literatura.
En 1873, la galería donde trabaja se traslada a Londres, donde comienza a cultivar el dibujo. Vive en una modesta pensión y se enamora de la hija de su patrona. Su amor no es correspondido; Vicente es rechazado por primera vez en el amor y provoca que su carácter se muestre violento. Con 20 años es melancólico y solitario. Su situación le hace ver en la religión el único camino para salvar la crisis. Vicente van Gogh Fue un hombre apasionado con las mujeres.
El autor un poco más tarde tuvo relaciones con prostitutas, incluso se enamoró de alguna y convivió con ella.
Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera y mas tarde pintó refleja retrato de seres humanos. Pero lo más frecuente era pintar la naturaleza.

Lectura temática
El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó tras uno de sus frecuentes ataques, aunque fue pintada de memoria durante el día. Mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van gogh.
Este cuadro es una pintura de estilo religiosa.

Me ha parecido el estilo del pintor porque ha reflejado la etapa de su vida y todo lo que le ha ido pasando

Moulin galette

Título: Moulín de la galette

Autor: Auguste Renoir

Fecha: 1876

Localización: Museo de orsay , París

Datos técnicos: las medidas de este cuadro es de 131x175

Lectura formal

Este cuadro es una pintura de óleo sobre lienzo está dibujada sobre un formato de forma rectangular.El moulin galette era un famoso barrio de Paris, como una serie de bebidas y de baile en molino de la GaletteSe trata amigos, parece que están representado personas hablando, fumando bebiendo…En primera vista del cuadro, aparecen pintores famosos como Lamy, Goeneutte y Georges Rivière, que están en el primer plano sentados junto a la mesa.Justamente en la parte derecha de la mujer, hay una niña pequeña que parece ser que es la hija de la mujer porque la madre le tiene el brazo derecho echado por el cuello.Además de esta familia, podemos decir que hay muchas personas bailando, agarrado de la cintura…Se podría decir que por ser de la burguesía están celebrando una fiesta,en una especie de calle, porque podemos decir que en la parte derecha, como en la izquierda y central hay farolas y árboles.El suelo, parece ser, que es de chinos de hormigón y no de tierra.En el cuadro de pueden distinguir, formas con volumen y pocas formas geométricas. El autor ha querido representar las personas para que se vean a simple vista, podríamos decir los trajes de las personas, los cuerpos sombreros…El cuadro se puede ver a simple vista gente que esta más cerca y la gente que está más alejada, es decir, que ha utilizado para representarlo de manera que a simple vista lo veamos todo pero algunas cosas antes que otras.Los colores que usa, son colores vivos en los trajes de las mujeres y en los trajes de los hombres utiliza el color negro .En las sillas utilizan también un color claro como es el amarillo.Esta pintura da la sensación de que el principio, es más claro y el final más oscuro como si en el fondo no diera tanto la luz o estuviera haciéndose de noche.

Lectura contextual:Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, continuó sus estudios hasta la edad de 13 años, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó arreglos florales sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En este estilo de pinceladas rápidas.Auguste Renoir perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor es de impresionismo, esto quiere decir que son pinturas creadas y no elaboradas.Interpreta la belleza en sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando. Continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas.Esta pintura podría ser de género por que en el cuadro representa la vida cotidiana de aquella época y quiere realizarlo en el cuadro.Me gustado la pintura de este autor porque a pesar de todo representa cosas de su época y la representa bastante bien para mi.

las tres edades de la vida 2

-Título: Las tres edades de la vida.
-Autor: Gustav Klimt.
-Fecha: 1905
-Localización: Museo de Galleria Nazionale.
-Datos técnicos: Óleo sobre lienzo

Lectura Formal

Es un cuadro que esta hecho con pintura al óleo, y realizado sobre tela en un formato cuadrado.
El punto del cuadro, donde se centra más la atención es en la parte de la juventud, por su color tan claro que resalta del fondo oscuro. En ella aparece una mujer, abrazando a un niño pequeño. El pelo de ésta es claro y está decorado con círculos, unos dentro de otros, como queriendo representar flores.
Su cuerpo tiene unas curvas muy marcadas, que no representan la realidad. La parte inferior de su cuerpo, está ligeramente tapado por una tela de colores fríos y que se enreda en su pierna.

El tono de color de la piel del pequeño es más oscuro y está echado sobre el hombro izquierdo de la mujer. El fondo de esta parte del cuadro, esta decorado con círculos concéntricos, podría ser una decoración abstracta.

En la parte de la izquierda, se representa la vejez y en ella aparece una mujer de mucha edad. Esta se tapa la cara con una de sus rugosas manos. Su color de piel de un tono oscuro y tiene curvas más marcadas que la joven de la otra parte. Lo que más resalta de su cuerpo es su vientre abultado donde recae el pecho de esta mujer. También resalta la curva que va desde el cuello hasta la parte inferior. Sus manos son pellejosas y rugosas con las venas marcadas.

El fondo donde está situado la mujer es abstracto y con colores cálidos, llenos de círculos.
A los lados hay dos rectángulos colocados de forma vertical. El de la derecha con colores más claros que los de la izquierda. Arriba de estas dos rectángulos hay otros dos de color negro.

El cuadro está formado en total por tres rectángulos y en el medio están situadas las tres mujeres.

Es una obra figurativa y abstracta a la vez. Podemos distinguir en ella, formas orgánicas y formas geométricas situadas a los lados y en el centro. Son estructuradas porque están colocadas a conciencia.

Los elementos más importantes son la anciana, la joven y el bebé. Dan la sensación de equilibrio y se encuentran de manera que el peso se sitúe en el centro de la obra.

Lectura Contextual

Klimt es un pintor vienés, ya que formó parte del grupo secesionistas. Impulsaron reforma en le campo de las artes en el cambio de siglo en Viena.
Las tres edades es un ejemplo de la temática que abordó el autor, además fue un pinto que en su época, fue criticado y admirado, por mostrar la mayoría de las veces la parte negativa de la vida
Las características del cuadro son propias del pintor, ya que Gustav Klimt estaba obsesionado con la figura de la mujer y la representaba en la mayoría de sus obras. Usa el desnudo para representarla.

Es una obra que tiene función decorativa. La intención del artista es representar la naturaleza y el curso que lleva la vida, desde que nacemos hasta que morimos.

Lectura temática

Es un tema que presenta la pintura de historia, que trata sobre un tema medieval. El autor ha cogido a una mujer y no a un hombre, por que tiene más facilidad de representar las ideas y pensamientos.
Klimt nos muestra los cuerpos desnudos, mezcla la abstracción de los ornamentos como si se tratara del mundo fantástico. El autor retrató a mujeres burguesas de Viena, serenas, inocentes, como muñecas en una caja de celofán, pero también pintó mujeres de una sensualidad exaltada.
En el cuadro, la joven aparece rodeada de flores, con un cuerpo pálido y lánguido, pero sensual .La anciana se cubre el rostro con vergüenza, por que expresa el rechazo de su cuerpo arrugado.
Las dos imágenes representan una determinada forma de mirar y entender el cuerpo femenino que parece repetido en nuestra realidad contemporánea, valora la eterna juventud y rechaza la vejez como si fuera un fracaso
Conclusión

Es una obra que transmite muchas sensaciones, ideas a colores más oscuros que claros, es decir, colores de la gama fría como por ejemplo el azul, violeta…

judith1

Título:judith
Autor:Gustav klimt
Fecha:1901
Localización:Viena

Lectura formal:
Este cuadro es una pintura de óleo sobre tela.
El autor en esta pintura, utiliza un formato rectangular de las siguientes medidas:
84x12

En este cuadro, se puede ver la mujer que esta justamente en medio, o en un primer plano la mujer. Se ve representada de la cintura hasta la cabeza.
Existen como una especie de dos planos el primer plano sería la mujer, que esta mas acercada y el segundo plano seria el fondo que esta mas alejado.
La mujer esta mirando de frente.
Como el fondo podría ser un bosque , el autor lo ha pintado, como si el bosque se viniera encima sobre la mujer, le tapa el pecho derecho y izquierdo lo deja descubierto.
La mujer tiene la piel morena, su pelo es negro y es recogido no lo tiene largo y el fondo podría ser una bosque por que se puede ver con facilidad los árboles y las flores de los árboles. La mujer sobre el pecho que tiene tapado se podría decir que tiene como una especie de pelo sobre esa parte.
En esta obra se pueden distinguir formas geométricas y formas orgánica, es decir, provienen de la naturaleza y no tienen sentido como es el caso del fondo del cuadro.
El elemento mas importante del cuadro, sería la mujer que esta pensando y mirando hacia el frente.

En el cuadro predomina el color oro de fondo mayormente, también en la cintura de la mujer y en el cuello.
También predomina el color negro porque en el cuadro de puede ver que es de noche.

Lectura contextual
Las características del cuadro son propias del pintor, a gustav klim le gustaba representar mujeres desnudas en sus cuadros y otras de las cosas es que utiliza el oro, este material o técnica le viene porque su padre se dedicaba a los metales y el lo introdujo en sus cuadros.
También esto le viene de augute rodeen lo vio en algunos de su otros cuadros y lo introdujo.

Lectura temática:

Datos mas imporatante de gustav klimt

1- Con 14 años dejó el coleguio para ingresarse en la escuela de arte de Viena.
2-Mientras gustav klim estudiaba enpezó a ganarse la vida pintando dibujos y decoraciones.
3-A finales de los años 70,se asocia con su hermano Ernst,y su amigo Frank Matsch y tuvieron éxito en viena reciebieron varios encargos(decoración de villa hermes...)
4-En el 1886,los encargos que diseñaban el trío de amigos, cada unos lo hace por su cuenta.
5-En en el 1888 recibe una MEDALLA DE ORO por su creación artística de manos del enperador Francisco José.
6-en la segunda serie de encargos Gustav Klimt introduce el oro.En la decoraciones(caja de escalera principal del kunsthistorisches).Esta técnica la intyroduce,poreque su padre se dedicaba a los metales.
7-En el año 1892-1893.Muere su padre, su hermano y socio Earnst.
8-En este año niegan su nombramiento como catedrático en la escuela de arte.
9-En 1897 es fundador y presidente de la seción Vienense.
10-Gustav Klimt muere en viene a causa de un derrame, fue enterrardo en el centro vienés,
donde sigue hoy en la actualidad